Stare into Death and Be Still è uno degli highlight di questa prima metà dell’anno, un album sensazionale che rinnova ulteriormente la carriera di altissima levatura degli Ulcerate. Abbiamo recensito il disco a tempo debito, ma non potevamo lasciarci scappare l’occasione di intervistare la band neozelandese per chiarire alcuni punti sulla release, specialmente per ciò che concerne il comparto tecnico. Intervista a cura di Tancredi Cassina e Costanza Marsella.
Vorrei iniziare quest’intervista parlando dei tempi che stiamo vivendo. Pensate che la crisi dovuta alla pandemia abbia influenzato in qualche modo la release di Stare into Death and Be Still? Oltre ad aver comportato la postposizione del tour, credete che l’ascoltatore possa spendere maggior tempo ed interesse ad ascoltare nuova musica, in controtendenza rispetto ad un generalizzato approccio superficiale ed approssimativo?
No, la release dell’album in questo periodo è stata una coincidenza. Abbiamo fissato la data dell’uscita del disco ad aprile lo scorso anno, prima ancora che il Covid fosse una realtà. Per quanto concerne la capacità di concentrazione ed attenzione del pubblico, tutto ciò non ha cambiato di una virgola il nostro modo di scrivere il materiale.
Pensate che i social media possano aiutare la scena musicale ad uscire da questa tragica situazione? Come state gestendo questo aspetto della promozione?
I social media sono un fottuto cancro, un male necessario nella migliore ipotesi. Non ho alcun interesse nello spam sui social per la nostra promozione – faremo un post obbligatorio su Facebook ogni volta in cui avremo qualcosa di significativo da rilasciare, tutto qua. Non ho interesse nelle altre piattaforme.
Parliamo dell’album. Siete rimasti fedeli alla vostra identità, ma è possibile notare un nuovo tipo di songwriting, ed un sound più coerente sin dai primi due singoli. Si tratta di un’evoluzione naturale oppure di una scelta ben studiata? Da cosa dipende?
Fino ad adesso abbiamo pubblicato sei album, ergo l’idea della stagnazione creativa non è un’opzione per noi. Dopo aver licenziato “Shrines…” sapevamo di essere giunti al capolinea con quel sound interamente dissonante ed offuscato. Abbiamo dunque approcciato la scrittura di questo nuovo lavoro in maniera cauta e propositiva. Avevamo bisogno di sfidare i nostri istinti e riscrivere le nostre regolare in termini di come lavoriamo alle ritmiche, alla melodia, all’armonia e, infine, agli arrangiamenti. Abbiamo dunque trascorso i primi sei mesi circa del 2018 sperimentando, cercando di capire fino a che punto potevamo liberarci dei nostri impulsi senza perdere la nostra identità: in fin dei conti, l’identità e tutto. Prendiamo come esempio gli Ulver, che rilasciano volta per volta album totalmente differenti, conservando tuttavia elementi fondamentali che li rendono immediatamente riconoscibili. Abbiamo dunque invertito quasi tutto: volevamo che il basso assumesse un ruolo primario nel guidare la componente ritmica, le linee di chitarra sono state private di quasi tutte le dissonanze, vi è una maggiore attenzione alla melodia, le sezioni di clean down-tempo sono maggiormente coinvolte nelle ritmiche, le linee di batteria sono state scientemente ridefinite in maniera tale da enfatizzare la potenza rispetto al caos. Gli arrangiamenti vocali sono stati rafforzati in maniera tale da garantire la massima chiarezza dell’enunciazione, favorendo chorus ovunque fossero appropriati. Abbiamo reintrodotto leads a note singole, che avevamo abbandonato sin dai tempi dei demo. Si è trattato insomma di una ricalibrazione totale che ci ha aperto un numero infinito di porte.
Stare into Death and Be still: questo titolo mi ha ricordato il concetto heideggeriano di Essere-per-la morte (Sein-zum-Tode): essere consapevoli della nostra natura mortale, della nostra finitezza, ci rende in grado di guadagnare una prospettiva autentica riguardo la vita stessa, dal momento che gli esseri umani sono gli unici animali che vivono la loro vita con la consapevolezza della loro mortalità. Da cosa deriva questo titolo cosi peculiare?
Il concept non riguarda tanto la nostra consapevolezza in sé, quanto piuttosto un’esplorazione dell’orrore di testimoniare passivamente l’orrore della morsa della morte, che ci sottrae lentamente ma metodicamente chiunque ci sia vicino. Fissare il vuoto, eppure essere totalmente inermi per arrestarne l’avanzata – la consapevolezza della perdita, e la definitività dell’energia della morte.
Dal momento che siete neozelandesi, questa concezione della morte è stata influenzata dalla cultura indigena della vostra terra (Maori) oppure è di natura occidentale?
Occidentale, e con lo stigma e la sbornia abramitica che ne derivano.
Parliamo ora dell’artwork, realizzato da Jamie. Sembra quasi rappresentare una figura umana sfigurata e dissolvente, trascinata nel vortice eterno della non esistenza. Si tratta di un’idea ispirata dal concept oppure è stato realizzato precedentemente?
La nostra arte ha sempre seguito le tematiche sonore e concettuali – avevamo una gran quantità di testi già scritti, così come il titolo della canzone, che è poi diventato il titolo dell’altro. Non ha senso lavorare arbitrariamente all’artwork: si tratta del volto dell’album e deve essere al 100% interrelato con l’esperienza sonora degli ascoltatori.
Abbiamo apprezzato molto la produzione dell’album, in particolare il fatto che suonasse moderna ed avesse delle splendide tonalità. Che genere di strumenti e amp avete utilizzato? Erano soprattutto analogici o digitali? Come avete registrato la batteria?
È tutto analogico. Non abbiamo interesse nelle applicazioni digitali e nell’amp modelling. In tal modo difatti è possibile conseguire un suono chiaro ed un certo livello di “professionalità”, a scapito tuttavia di tutto il carattere e degli artefatti di una stanza fisica, con uno specifico microfono studiato per specifici speaker. Non vi sono due microfoni o amplificatori che siano uguali… A meno che tu non stia usando un plugin.
Le chitarre risultano da una combinazione di testate JCM Marshall e Peavey 5150, mentre per i bassi sono stati utilizzati Sunn e TC Electronics. Preferiamo sempre lavorare su quattro tracce di chitarra, cosicché tanto il canale sinistro quanto quello destro siano una miscela al 50/50 delle due scelte di amplificatori. Il suo del basso è costruito su quattro tracce per ottenere vari livelli di distorsione, con i Sunn che forniscono esclusivamente le basse frequenze. I microfoni utilizzati sono invece un Shure SM57 per le chitarre e, per quanto riguarda il basso, una combinazione dell’SM57 per il timbro più abrasivo e distorto, ed uno Shure Beta 52 per il Sunn. La batteria è totalmente acustica, con un set up microfonico piuttosto minimale. Accanto ad ognuna delle pelli vi sono:
- SM57/Beta 57 per il rullante (top/bottom)
- Beta 98 per i tom e per il primo timpano
- Beta 52 per il timpano più grande
- Beta 91 in ognuna delle casse
- KSM32 come overhead
- SM81 per il ride principale
Non abbiamo usato microfoni d’ambiente, poiché aggiungono degli elementi che non gradisco nella nostra musica – ma ottengo lo stessi effetto energico mediante una compressione parallela.
Ho anche registrato un campione clean della cassa per irrobustire il suono di quest’ultima. C’è quindi un mix 50/50 delle due componenti, che permette al basso di spiccare particolarmente senza sovrapporsi alle frequenze della cassa. Mi piace anche che la cassa sia ben udibile nei panoramici: so è che poco ortodosso per il metal, ma non sono solito modificare, quantizzare (ndr. La quantizzazione è un processo che viene utilizzato dagli ingegneri del suono per modificare in post la dinamica di un singolo colpo) o spostare note, ergo non ho bisogno di preoccuparmi di problemi di fase.
In generale lo spirito è “suonare bene le parti per evitare di doverle correggere durante il mixaggio”. Generalmente cerco di catturare l’attitudine e lo spirito della performance, cerchiamo di evitare come la peste la “perfezione”, e la sterilità che può derivarne.
Quando ascolto i vostri lavori, la domanda che più frequentemente mi pongo è: come riescono a fare tutto ciò? Come create la vostra musica?
Come per ogni cosa, un passo alla volta. Iniziamo con una sequenza di accordi, o qualcosa che suoni interessante a livello ritmico o melodico, e ci lavoriamo finché non prende le sembianze di un riff ben definito. In genere lo facciamo a casa mia, con practice pad e amplificatori a volume basso, così possiamo esporre le nostre idee. Quando abbiamo alcune di queste bozze, le portiamo in sala prove per comprendere come rendono a volumi elevati , ed iniziamo a lavorare sulle linee di batteria. Rielaboriamo e ripetiamo il tutto finché non ne risulta una sorta di libreria di parti che, o tutte insieme compongono un brano, oppure, se non le riteniamo tematicamente adeguate, le salviamo per dopo. Registriamo liberamente arrangiamenti con un microfono panoramico per esaminarli, e continuiamo a ripetere il processo finché non abbiamo lo scheletro di una canzone. Da questo punto in poi, realizziamo le tracce di batteria ed iniziamo a lavorare con l’orchestrazione degli altri strumenti in un ambiente provvisto di DAW, in maniera tale da concentrarci adeguatamente sui dettagli. Registriamo ogni cosa in ogni fase del processo, è l’unica maniera per restare obiettivi sulle idee che volta in volta creiamo.
Credo sia molto interessante esaminare le influenze di una band. Quali sono le vostre, anche al di fuori della musica estrema?
Non avverto molte influenze nella direzione della band. Suoniamo da circa 20 anni, ergo questa è letteralmente la maniera in cui suoniamo naturalmente. Spaziamo molto con gli ascolti, ma il percorso della band è molto chiaro e ben definito.
Ho notato che le band provenienti da luoghi isolati mantengono più facilmente le loro peculiarità. Credi che vivere in Nuova Zelanda ti abbia influenzato come musicista?
Sono assolutamente d’accordo, ed è una cosa molto positiva. Per quanto ci riguarda, quando abbiamo cominciato ad esordire la sensazione di isolamento era molto più evidente rispetto a oggi: non c’erano YouTube, social media, servizi di streaming. L’essere isolati in questo caso ci ha indubbiamente avvantaggiato, nel senso che eravamo molto influenzato da quello che facessero i nostri colleghi. E indubbiamente, con una scena così piccola ai tempi, molte band condividevano i membri, ergo vi era uno stesso afflato tra le varie realtà, che ha contribuito a creare uno specifico sound.
Dal momento che, a parte le più famose, come Diocletian, Sojourner, e voi, ovviamente, molte band neozelandesi non sono conosciute, potreste suggerirci qualche band della scena underground che ritenete degna di nota?
Vassafor, Witchrist, Sinistrous Diabolus, Heresiarch, Vesicant, Shallow Grave, Distant Fear.
L’intervista è finita, salutate i nostri lettori segnalando i vostri ascolti recenti!
Ultimamente stiamo ascoltando:
- The Order of Apollyon – Moriah
- Dool – Summerland
- Bell Witch – Mirror Reaper
- Hildur Guðnadóttir – Chernobyl
- Ulver – Drone Activity
- Teitanblood – Accursed Skin
- Morast – Ill Nostro Silenzio
I’d like to start this interview by talking about the time we’re living in. Do you think that the pandemic crisis would have influenced in some way the release of Stare into Death and Be Still? Apart from postponing the tours, do you agree with the idea that the listener could spend more time and interest to listen to new music, in a counter trend with a general attention span which is more and more brief and superficial?
No, the release of the album is a total coincidence. We had the April release date set late last year, before Covid was even a thing. In terms of attention spans, who knows, hasn’t changed how we write our material one iota.
Do you think that social media could help the music scene to escape from this tragic situation? How are you dealing with this aspect of promotion?
Social media is a fucking cancer, a necessary evil at very best. I have zero interest in any sort of social media spamming from our side – we’ll make an obligatory Facebook post when we have something significant to release, and leave it at that. No interest whatsoever in the other platforms.
Let’s focus on the album itself. You’ve remained loyal to your own identity, but a new kind of songwriting and a more cohesive sound are there for all to see since the release of the first two singles. Is this a natural evolution or a mindful choice? What are its causes?
We’re now six albums in, so the idea of creative stagnation for us is just not an option. After releasing “Shrines…” we knew we’d come to the end of the road with the almost entirely dissonant, obfuscated sound, so we approached the writing of this new record extremely cautiously and purposefully. We needed to challenge our own instincts and re-write the book in terms of how we work with rhythm, melody, harmony and ultimately arrangements. So the first 6 months or so of 2018 was spent exclusively with experimentations, seeing how far we can strip away our go-to impulses without losing the identity. After all, identity is everything. Take a band like Ulver who releases wildly diverse albums, but there are core intangible elements that make it instantly recognisable. So for us we inverted almost everything – we wanted bass to take a more primary role in driving rhythm, guitar lines were stripped of almost all dissonances, a heightened sense of melody was introduced, clean down-tempo sections are much more involved rhymtcially, drum lines have been consciously redefined to emphasis power over chaos, vocal arrangements have been tightened to ensure maximum enunciation and favouring hooks or choruses where appropriate, single note leads have been reintroduced (which we have abandoned since the demo days)… A total re-calibration that has opened an infinite amount of doors for us.
Stare into Death and Be still: this title immediately reminded me about the Heideggerian concept of Being-toward-death (Sein-zum-Tode): being conscious about our mortal nature, our temporality, allow us to gain an authentic perspective about life itself, since human beings are the only animals who live their lives with the awareness of mortality. What were your thoughts when choosing that specific title?
The concept is not so related to our awareness per se, but more so an exploration of the horror of passively witnessing death’s grip slowly and methodically take those closest to you. Staring into the void, yet being powerless to halt the advance – the sombreness of loss, and the finality of death’s energy.
About that, since you are from New Zealand, was that conception of death influenced by the one represented in your land’s indigenous culture (Maori) or it is Western in its nature?
Western, and with all the stigma and Abrahamic hangovers that come with it.
Let’s talk about the cover art, designed by Jamie. It seems to show a dissolving and disfigured human being, dragged into the eternal void of inexistence. Was that artwork inspired by the concept or it was made before?
Our art has always followed the sonic and conceptual themes – we had a good amount of lyrics penned as well as the song title, which ultimately became the album title. There’s no sense in working up art arbitrarily, it is the face of the album, and needs to be 100% intertwined with how people will experience it sonically.
We liked the production of the album very much, particularly the fact that it sounds modern and has wonderful tones. What kind of instruments and amps did you use? Was it mainly analog or digital? How did you record the drums?
All analog – zero interest in amp modelling and digital applications. You might capture clarity and a level of ‘professionalism’, but you’ll miss all the character and artifacts of a physical room, with a specific mic aimed at specific speakers. No two mic, amp and cabinets are ever the same… unless you’re using plugins. So guitars were a combination of Marshall JCM and Peavey 5150 heads, bass a combination of Sunn and TC Electronics. We always favour quad-tracking guitars, so each left and right channel is a 50/50 blend of the 2 amp choices, and the bass tone is actually triple-tracked for ultimate layers of distortion, with the Sunn providing the low-end exclusively. Mic choices are a single Shure SM57 for the guitars, and bass a combination of SM57 for the harsh distorted
tone, and a Shure Beta 52 for the Sunn. Drums are all acoustic, with a fairly minimal mic setup. Close mics on each of the
drums:
● SM57/ Beta 57 for snare top and bottom
● Beta 98’s for rack toms and first floor tom
● Beta 52 for largest floor
● Beta 91 in each of the kick drums
● KSM32’s for overheads
● SM81 for main ride
No room mics for us, as it adds an element that I don’t like in our music – but I’ll achieve the same energy effect via parallel compression on the shells. I also took a clean sample of the kick drums to augment the kick sound, so a 50/50 blend – allows for the bass especially to be as huge as possible without eating the kick drum tone. I also like to keep the kick drum very present in the overheads, which I know is a little unorthodox for metal – but I’m not editing, quantizing or moving the notes around so I don’t have to worry about phasing issues.
In general – the ethos is play the parts well, to avoid fixing it in the mix later. Mostly, I want to capture the attitude and spirit of the performance, we avoid ‘perfection’ like the plague, and the sterility that can arise as an outcome of it.
When listening to your records, the most frequent question that comes in my mind is “How do they do that?”. How do you create your music?
Like anything, just one step at a time. We’ll start with a chord progression or something that sounds interesting rhythmically or melodically and work it up until it resembles a self-contained riff. We’ll do this typically at my home, with low level practice pads and amps so we can talk over and above the ideas. Once we have a few of these sketches in place, we’ll take them to the rehearsal space to see how they scale at volume, and begin to work up drum lines. Rinse and repeat until there is a full library of parts that either comprise most of a song – or, if they don’t feel right thematically, we’ll save for later.
We’ll track loose arrangements with a room mic for examination, and keep iterating until we have a full skeleton of a song. From here, we’ll eventually multitrack the drums and begin working on orchestrations for the other instruments in a DAW environment
so we can get extremely detail focussed. We record things at every step of the process, it’s the only way to gain objectivity on the ideas you’re creating.
I find it very interesting to examine a band’s influences. Where do you seek your influences from? Even beyond extreme music.
This far in, I don’t feel a whole lot influences the band’s direction. We’ve been at this 20 years now, so this is literally just how we play naturally. We all listen broadly, but the pathway for the band is very clear and well defined.
I’ve noticed that bands coming from isolated places are usually more willing to maintain their own personal peculiarity. Do you think that living in New Zealand has somehow influenced you as musicians?
Yeah I totally agree with that statement, and it’s a very positive thing. Particularly for us when we first started things, the feeling of isolation was far greater than what it is now – no Youtube, no social media, no streaming services… The insularity in this instance
absolutely worked in our favour, in the sense that we were most highly influenced by what our peers were doing. And of course, with such a small scene at the time, a lot of the bands shared members so there was always a common thread running through the
bands which contributed to a specific ‘sound’.
Since we do not hear a lot of bands from New Zealand (apart from the most famous ones, like Diocletian, Sojourner and you of course) can you suggest some bands you like from the island’s underground scene?
Vassafor, Witchrist, Sinistrous Diabolus, Heresiarch, Vesicant, Shallow Grave, Distant Fear.
Say hello to our readers by suggesting what you are listening to recently.
Recently been spinning:
● The Order of Apollyon – ‘Moriah’
● Dool – ‘Summerland’
● Bell Witch – ‘Mirror Reaper’
● Hildur Guðnadóttir – ‘Chernobyl’
● Ulver – ‘Drone Activity’
● Teitanblood – ‘Accursed Skin’
● Morast ‘Ill Nostro Silenzio’
