Coincidenze significative: in un periodo tristemente segnato da disastri ambientali, tra cui quelli dei roghi in Australia, abbiamo intervistato i We Lost The Sea, che non solo provengono proprio dal Nuovissimo mondo ma hanno anche incentrato un intero album sulla rovinosa situazione ambientale contemporanea. La band post-rock di Sydney, autrice di quello che è considerato dagli appassionati uno dei migliori album del post-rock moderno (Departure Songs, 2015) ha in parte stravolto le carte in tavola con una nuova, apprezzatissima release intitolata Triumph & Disaster, di cui vi abbiamo parlato qui. Non potevamo dunque esimerci dal contattarli per approfondire i temi del disco, un racconto senza parole, e la sua genesi, segnata dal fardello di un capolavoro. Ne abbiamo approfittato, inoltre, per scambiare due battute sullo stato di salute della fiorente scena australiana, e chiarire perché l’etichetta di post-rock non sia in realtà ben accetta. Nelle domande mancano i riferimenti diretti alle calamità citate in apertura perché l’intervista è stata girata alla band prima che i fatti si verificassero, ma per fortuna i destinatari non sono stati avari di parole.
Ciao ragazzi, benvenuti su Grind On The Road. Il tempo passa e i tempi cambiano. Cos’è successo alla band e a voi come individui dopo l’uscita di Departure Songs?
Sono passati quasi quattro anni dall’uscita di Departure Songs e il nuovo album, quindi un lungo periodo di tempo. Abbiamo avuto nascite, morti, battaglie con delle malattie, molti tour qui e all’estero, e ci sono voluti circa due anni dalle prime idee fino all’effettiva realizzazione di Triumph & Disaster.
Departure Songs è spesso considerato uno dei migliori album del post-rock moderno. Si è trattato di un fardello pesante da sopportare durante la scrittura di Triumph & Disaster?
Sì, lo è stato. Non avevamo pensato quel disco così, è stato un caso. Non avevamo mai scritto un album strumentale prima, o addirittura pensato al post-rock come qualcosa che avremmo mai fatto. In realtà è stato strano, perché abbiamo pubblicato l’album nel 2015 e ancora nel 2018 la gente lo considerava il migliore album post-rock, un “album perfetto” e “l’album che mi ha cambiato la vita”, che è davvero fantastico, qualcosa che ti scalda il cuore, ma è anche stato strano perché è diventato un livello irraggiungibile per noi, che non avevamo neanche chiesto. Forse ci siamo fatti prendere più di quanto avremmo dovuto. Certo, credo che nessuno che abbia prodotto un’opera artistica che diventa molto importante per molta gente potesse immaginarlo a priori, ma per noi è stato davvero una roba grossa. Penso che ci siamo messi pressione da soli, provando al contempo a dare un dignitoso successore al disco che tutti preferivano, ed è stato un momento duro. In parte è per questo motivo che abbiamo deciso di non provare a imitarlo o a fare un sequel, preferendo invece discostarci e provare a fare qualcosa di diverso.
Vi andrebbe di rivelare qualche dettaglio circa il concept di Triumph & Disaster? Narrare la fine del mondo letta attraverso gli occhi di una madre e del proprio figlio non dev’essere stato un compito facile.
Sì, credo che col senno di poi sia stata un’idea complessa da formulare e da provare a materializzare. Inizialmente volevo che fosse molto più fantascientifica! Sono felice di come l’abbiamo realizzata, ma spremere queste grandi idee in un disco e la relativa storia è stato un processo piuttosto duro. L’idea alla base è quella di portare una sorta di storia personale all’album, dargli un cuore. Sentivamo che una storia per bambini fosse un buon mezzo per mantenere la storia semplice e innocente, e raccontare allo stesso tempo una storia cupa ed emozionante. Forse può risultare un po’ sconnessa, perché la storia non combacia direttamente con le canzoni dell’album, ma credo che sia uscita fuori benissimo. Credo sia stata un’idea originale per ciò che volevamo dire e fare con l’album. La musica è la colonna sonora della fine del mondo e del panorama distopico sullo sfondo, la trama è in prima linea e racconta una storia struggente. Sentivo che ci fosse bisogno di qualcosa a cui legare la tragedia. Per me, mentre lavoravo all’artwork, ha avuto molto più senso che la storia fosse il focus del disco in sé più che della musica.
Quindi è chiaro cosa sia il “disaster”. E invece il “triumph”?
Il titolo dell’album viene da una poesia di Rudyard Kipling, ‘If’. E’ una classica chiamata alle armi motivazionale britannica, in stile ‘keep calm and carry on’.
“If you can meet with Triumph and Disaster
And treat those two impostors just the same;
If you can bear to hear the truth you’ve spoken
Twisted by knaves to make a trap for fools,
Or watch the things you gave your life to, broken,
And stoop and build ’em up with worn-out tools:”
Si addiceva all’album. Descriviamo il disastro, ma manteniamo la speranza. Il trionfo è ciò che veniva prima, le nostre conquiste da esseri umani, la tecnologia e la corsa alla singolarità, e poi il disastro è il collasso di tutto davanti ai nostri occhi. L’album inizia con la fine del mondo e la storia umana inizia con il “Dust”.
Sembra che abbiate spostato il focus del vostro concept dalla tragedia dell’io alla tragedia dell’umanità. Ma è la stessa tragedia che stiamo vivendo, no?
Credo che Departure Songs abbia in realtà un tema globale che unisce le persone, dietro le storie di eroismo. Le storie riguardavano degli individui, ma circa qualcosa in cui tutti si possono rivedere. A chiunque piace un eroe, o persone che vivono in maniera straordinaria, ricoprendo nella storia il ruolo di umani formidabili. Credo che sia un tema di cui è facile innamorarsi. Il tema della fine del mondo è qualcosa verso la quale è molto più difficile trovare una connessione, specialmente perché è stato il tema degli ultimi cinque o dieci anni in fatto di coscienza sociale. Molte di queste conversazioni sono entrate da un orecchio ed uscite dall’altro. La gente non vuole ascoltarle. Non è neanche granché originale fare arte con un tema ambientale o climatico, ma volevamo raccontare la nostra versione della storia, sperando di ispirare qualche cambiamento nel piccolo mondo in cui viviamo. Da qui è subentrata l’idea della storia per bambini. Seguire questo tema è stato un rischio, ma sono felice perché abbiamo messo tutti noi stessi. Appena accenni a qualcosa di politico alcuni storcono il naso. Credo che se sostieni che la politica non appartenga all’arte forse non sei stato attento. Volevamo dire qualcosa circa lo stato attuale del mondo e la distruzione ambientale che procede a ritmi elevati, e non nasconderci da essa. E’ stato lievemente divisivo, ma ha generato delle conversazioni tra noi. Credo che sia importante usare questa piattaforma per qualcosa di positivo ed è qualcosa che ci appassionava a tal punto da scriverci un album su.
Credete che il modo in cui trattiamo il nostro pianeta ci stia portando alla fine? Are we really too late?
Le prospettive non sembrano ottime. Credo che stiamo solo vedendo l’inizio di qualcosa di molto più preoccupante. Non possiamo neanche immaginare la gravità di ciò che verrà. Cerco di mantenere una mentalità positive ma quando mese dopo mese andiamo incontro a un grave evento meteorologico o a nuovi record di temperature calde o fredde è difficile restare ottimisti. Nell’ultimo mese Sydney ha subito alcuni dei roghi più gravi degli scorsi dieci anni. Ciò vuol dire che sarà così anche per gli anni a venire? Possiamo solo attendere. Credo che se gli esperti ce lo gridano addosso e la maggior parte degli scienziati del mondo è d’accordo, allora dovremmo smettere di perdere tempo a discuterne su internet, tacere, ascoltare e provare a fare qualcosa.
Dal punto di vista strumentale Triumph & Disaster è il vostro album più complesso finora, stratificato su più livelli e atmosfere. Come siete arrivati a questo suono cinematico e questa attitudine orchestrale?
Grazie. Non credo che tutti i nostri fan sarebbero d’accordo! Quest’album ha ricevuto dei feedback misti in questo senso. Abbiamo speso molto tempo a lavorare sugli arrangiamenti per provare a raccontare una storia e tessere una narrazione tra i brani e per tutto l’album. Volevamo fare ciò che ci piace come WLTS – renderlo grande, interessante e cinematico. Credo che il tema mi abbia influenzato nella scelta di suoni e atmosfere. Ho persino comprato un nuovo pedale reverb per creare dei suoni sci-fi! E’ stata la prima volta in cui abbiamo fatto riferimento ai nostri lavori passati al momento di scrivere nuove cose, in merito a come scrivevamo i brani più vecchi. E’ stato un processo molto duro. Abbiamo messo da parte molte idee man mano perché non ci prendevano immediatamente anziché lasciarle crescere, perché eravamo molto severi sul provare a fare un buon lavoro e forse ci siamo complicati le cose. Credo che questo abbia giovato all’attitudine dell’album. Suona più teso rispetto al vecchio materiale.
Di recente siete stati annunciate al Dunk!Festival 2020. Che tipo di rapporto vi lega alla famiglia Dunk? Che ci dite invece delle alter etichette e collettivi con cui collaborate?
Penso che siamo fortunati ad essere circondati da brave persone appassionate e oneste. Ci sono state così tante storie terribili negli anni circa band fregate dal music business che siamo diventati protettivi per la nostra band e la sua musica. Tutte le label che lavorano con noi ci trattano bene, vogliono fare un buon lavoro con le proprie release e tenere florido l’underground. Lavoriamo coi ragazzi di Dunk! e Translation Loss sin da Departure Songs e con Bird’s Robe Records da molti anni, ci hanno tenuti per mano e fatto da mentori! Non vediamo l’ora per il Dunk! dell’anno prossimo! E’ un festival fantastico a conduzione familiare che attira tanti fan e grandi band, non vediamo l’ora di suonare nella tenda grande.
Vi è mai risultato difficile trasporre la vostra essenza su un palco?
C’è voluto molto tempo e molto studio per arrivare dove siamo ora. Ogni volta che andiamo in tour impariamo molto su come suonare i brani. Siamo una band basata sulle vibrazioni. Se saliamo sul palco e il pubblico è elettrico le vibrazioni ci attraversano e noi le cavalchiamo. Se si tratta di un pubblico silenzioso ci è difficile dare il nostro meglio, ma anche questo fa parte del processo di apprendimento. Ci sono dei fan che chiudono gli occhi per tutto il tempo e si tuffano appieno nella musica, che è fantastico allo stesso modo. Stiamo imparando a suonare davanti a ogni tipo di pubblico. Siamo sempre stati orgogliosi dei nostri show e abbiamo sempre voluto migliorarci. Credo che quest’anno abbiamo suonato alcuni fra i nostri migliori live e ci siamo legati personalmente molto più che in passato. Sul palco ci sono sei trentenni/quarantenni barbuti che suonano brani lunghissimi, dobbiamo rendere la cosa interessante! Di recente abbiamo aggiunto delle luci professionali ai nostri show e questo li ha portati a un livello successivo.
L’Australia sembra un vero paradiso per la scena post-rock e post-metal – sleepmakeswaves, Dumbsaint, Tangled Thoughts Of Leaving, YLVA, Meniscus solo alcuni esempi. Vi considerate fortunati a vivere in questo Paese, da un punto di vista artistico e umano?
Se me lo avessi chiesto mentre crescevo nella scena musicale di fine anni ’90/inizio anni 2000 probabilmente ti avrei risposto che siamo estremamente sfortunati a trovarci qui, e onestamente continuo a credere che la nostra posizione geografica renda difficile la vita di una touring band pienamente operativa, specialmente in generi così di nicchia. La nostra fanbase più grande si trova oltremare e ciò richiede molto tempo e soldi per andare in tour. In realtà è piuttosto costoso per i WLTS andare in tour, sia in Australia che fuori.
Per quanto riguarda le band che hai menzionato non sono sicuro che ci riteniamo così fortunati, ma siamo determinati a produrre band e musicisti di qualità mondiale e ci sono voluti anni per queste band, per noi e per molti altri dei nostri amici e band in altre scene per arrivare al punto in cui hanno un seguito qui e nel resto del mondo, ed essere capaci di andare in tour e mettere testa nei live. E’ un’impresa non da poco e credo che se chiedi a ciascuno di loro riceverai una risposta orgogliosa e determinata. Abbiamo sempre avuto un gran talento in questo Paese, e credo che con i network moderni e una scena globale che si rimpicciolisce abbiamo la possibilità di dimostrarlo al mondo senza dover ripiegare sull’aiuto commerciale del mainstream, che in pratica non esiste per la nostra scena.
L’Australia può anche essere una sorta di buco nero culturale. La nostra scena artistica è forte, così come gli altri aspetti dell’industria creativa, ma credo che la fascia più giovane del Paese, e certi atteggiamenti del governo, dei politici e di parte della popolazione estesa, rendono un’impresa portare avanti una scena artistica florida e promettente. Il nostro governo di recente ha ridotto il corpo federale che gestisce le arti accorpandolo allo stesso dipartimento che cura i trasporti, ad esempio. Inoltre, alcuni dei nostri politici di spicco hanno detto che avere una laurea in arte è una scelta di vita, non di carriera. Ogni anno combattiamo questo atteggiamento retrogrado. E c’è anche il problema del binomio poca popolazione/grande nazione. Ovviamente in Europa, UK e USA c’è più gente e più fan del genere, quindi possiamo andare in tour lì e suonare per centinaia di persone in più, e diffondere ulteriormente il passaparola. In Australia è dura spaccare, ma i nostri fan sono super appassionati e leali.
Per quanto riguarda la nostra posizione nel mondo sì, credo che essere australiani sia un privilegio. Non lo dico in modo stupidamente patriottico, ma in termini di qualità della vita, dell’ambiente e del benessere generale della società. Oltre alla politica, che è un bel casino al momento, questo Paese è un gran posto in cui vivere, non possiamo negarlo. Potrei anche dire che ciò influenzi la scena musicale, forse non nello stesso modo in cui sei mesi di inverno continuo in Scandinavia producono musica fra la più violenta del mondo, ma la determinazione, l’abilità e l’accesso alle risorse che il nostro benessere consente, la nostra etica di lavoro e l’attitudine ad accorciare le distanze tra noi e il resto del mondo ci spingono sicuramente oltre.
C’è un motivo particolare per cui avete deciso di suonare questo genere? Pensate che ci sia tanto altro da dire?
Non abbiamo deciso di essere una band post-rock, ci è solo capitato. Non credo neanche che ascoltassimo così tanto post-rock prima. La vecchia roba dei WLTS contiene sicuramente elementi post-rock e post-metal, e ciò fa parte dell’atmosfera da storytelling che amiamo. Per qualche sorta di orientamento guardavamo ai Godspeed come all’unica band “post-rock” che amavamo. A tutti noi piacciono cose come storie, film e la buona narrativa, ed è un gran genere per associare brani e artwork a queste cose. Credo infine che volessimo scrivere qualcosa di simile alle colonne sonore. In realtà non amo molto l’etichetta post-rock perché credo che sia limitante, se sei considerato una band post-rock magari sei costantemente paragonato alle solite cinque grandi band e relativi stereotipi, credo sia soffocante. Al momento siamo una band strumentale. Se decidiamo di mettere delle voci in un brano e la gente vuole dare di matto per questo va bene. Se vogliamo pubblicare un disco trip-hop/downbeat, così sia. Se vogliamo scrivere riff pesanti lo faremo. Credo che il pubblico abbia fin troppo controllo su ciò che fai, guardano ogni tua mossa pronti a scattare quando metti un piede fuori dalla linea che loro avevano disegnato per te, o da ciò che l’etichetta di genere prevede. Voglio sempre essere un passo avanti e rompere le aspettative. Ciò include incasinare le percezioni del genere.
L’intervista è finita, grazie per la disponibilità. Salutate i nostri lettori segnalando le vostre uscite preferite del 2019
Ah, non sono per niente bravo in questo… uhhhmmmm
Clipping. – There Existed an Addiction To Blood
Billie Eilish – When We All Fall Asleep Where Do We Go?
Nick Cave & The Bad Seeds – Ghosteen
Cinematic Orchestra – To Believe
Cult Of Luna – A Dawn To Fear
Coilguns – Watchwinders
Grazie!
Hi guys, welcome on Grind On The Road. Time passes and times change. What has happened to you as a band and as individuals since the release of Departure Songs?
There were four years almost to the day between the release of Departure Songs and our new record so that’s a lot of time for life to happen. We had births, deaths, struggle with illness, a lot of touring here and abroad and it took about two years of work to get from initial ideas to final product with Triumph & Disaster.
Departure Songs is often considered as one of the best modern post-rock releases. Has it been a heavy burden to carry while writing Triumph & Disaster?
Yes it has. We didn’t set out to make that album to be like that, it was sort of accidental. We’d never even written an instrumental album before or even thought of post-rock as something we’d be doing. It was strange, actually, because we put the album out in 2015 and by 2018 people were calling it the best post rock album and ‘a perfect album’ and ‘the album that changed my life’ – which is actually really endearing and amazing but also it felt odd to us because it has now become an almost unachievable level to reach that we didn’t ask for. I think we let it get to us more than we should have. I guess no one asks for that when they put out a piece of art that becomes hugely important to a whole bunch of people but for us it was a big deal. I think we put time pressure on ourselves as well as trying to follow up everyone’s favorite album and it was a real tough time. That’s partly why we decided we didn’t want to try and mimic it or do a sequel, and we tried to move away from it and do something different.
Would you like to reveal some details about the concept behind Triumph & Disaster? To tell the fall of Earth from the eyes of a mother and her son is not the easiest task.
Yeh I think in hindsight it was probably quite a huge idea to take on and try to materialise. Initially I wanted it to be much more sci-fi based! I’m happy where it ended up but it was quite a tough process to squeeze these big ideas into a record and the story to go with it. The idea behind it was to bring some kind of personal story to the album – to give it a heart. We felt that a children’s story was a good way to keep it simple and childlike and also tell a bleak and emotional story. Perhaps because the story doesn’t match directly with songs in the album that it may be a bit disconnected but I think it turned out really great. I think it was a unique idea for what we wanted to say and do with the album. The music is the soundtrack to the fall of the world and the dystopian landscape in the background and the story is at the forefront that tells a heart wrenching story. I felt people needed something to relate the tragedy to. For me, while I was working on the artwork, it made so much more sense that the story was the focus of the record more than the music.
So it is clear what the “disaster” is. And what about “triumph”?
The title of the record comes from Rudyard Kipling’s poem ‘If’. It’s a very motivational classic ‘keep calm and carry on’ style British call to arms.
“If you can meet with Triumph and Disaster
And treat those two impostors just the same;
If you can bear to hear the truth you’ve spoken
Twisted by knaves to make a trap for fools,
Or watch the things you gave your life to, broken,
And stoop and build ’em up with worn-out tools:”
It felt right for the album. I think we’re describing the disaster but also keeping it hopeful. The triumph is what came before, our achievements as humans, technology all racing to singularity and then the disaster was the collapsing of everything before our eyes. The album starts with the end of the world and then the human story starts at around ‘Dust’ on the album.
Seems like you switched the focus of your concept from a personal tragedy to a tragic event concerning humanity as a whole. But is that the same tragedy we’re living, after all?
I think DS actually has a very global theme that united people behind the stories of heroism. The stories were about individuals but essentially about something everyone can relate to. Everyone likes a hero or people that are larger than life and live in history as amazing humans. I think that theme is easy to fall in love with. The theme of the end of the world something much harder to find a connection with, especially as it’s been the theme of the last five to ten years in terms of social consciousness. I think a lot of the conversation of late has fallen on deaf ears. People don’t want to hear it. It’s also not wholly original to create art with a climate or environmental theme but we wanted to tell our own version of the story and hope to inspire some change in our very small world we live in. This is where the children’s story idea came into it. It was a risk for us to follow this theme through but I’m glad we backed ourselves. As soon as you mention anything political some people get their backs up. I think that if you believe politics doesn’t belong in art then you’ve not been paying attention. We wanted to say something about the current state of the world and the environmental destruction that is occuring at a rapid pace and not hide from it. It’s been slightly divisive but it’s also created some conversation at the same time. I think it’s important to use your platform for something positive and it was something we all felt passionate enough about to write the album about.
Do you feel are we coming to an end regarding the way we treat and disrespect our planet? Are we really too late?
I don’t think the outlook is great. I think we’re just seeing the beginning of something much more dire. I don’t actually think we can even imagine the severity of what’s coming. I try and hold a hopeful outlook but when each month of the year we’re met with a new severe weather event or more broken records of heat or cold then it’s hard to stay positive. Sydney has suffered some of the most severe bushfires of the last ten years in the last month. Does this mean that it will continue like this for years to come? We’ll have to wait and see. I think that if experts are screaming at us and a majority of scientists around the world all agree, then I think we should stop wasting time arguing on the internet about it and shut up and listen and try and do something about it.
From an instrumental point of view, Triumph & Disaster is your most complex record so far, being stratified on many levels and featuring many different atmospheres. How did you come up with this orchestral, cinematic sound and attitude?
Thank you. I’m not sure all of our fans would agree! This album has received mixed feedback regarding that. I think we spent a lot of time working on the arrangements to try and tell a story and thread a narrative through each song and the whole album. I think we just wanted to do what we do as WLTS – make it huge, make it interesting and make it cinematic. I think the theme really helped me shape some of my ideas and riffs and atmospherics. I even bought a new reverb pedal to create some sci-fi sounds! It was actually the first time we referenced our own back catalogue when writing new stuff in terms of how we constructed older songs. It was a really tough process. I think we stopped a lot of ideas going through because we didn’t gel with them immediately instead of letting them grow because we were so strict about trying to do a good job it perhaps made things harder on ourselves. I think this added to the attitude of the album as a whole. It feels a lot more tense than older material.
You’ve recently been announced at Dunk!Festival 2020. What kind of relationship links your band to the Dunk family? And what about the other labels and collectives you’re working with?
I think we’re lucky to have really good, honest and passionate people around us. There have been so many horror stories over the years of bands getting screwed over by industry that makes us protective of our band and it’s music. All of the labels that work with us are very good to us and really want to do a good job of their releases and keep the underground independent scene thriving. We have been working with the guys at Dunk! and Translation Loss since Departure Songs and Bird’s Robe Records for many years and they’ve held our hands through a lot of mentoring! Really looking forward to Dunk! next year! It’s an amazing family run festival that pulls great fans and bands alike and we can’t wait to play in the big tent.
Has ever been difficult to you to transpose your musical essence on stage?
I think it took a lot of time and learning to get where we are now. I think every time we go on tour we learn a lot about how to perform to the new songs we’re playing. We’re a vibe based band. If we walk on stage and the vibe from the crowd is electric, it runs through all of us and we step it up. If you’re a quiet audience we find it hard to perform to our fullest but this also part of the learning. We have fans that close their eyes the whole time and really go on a deep dive into the music, which is also great. We’re learning how to play to all audiences. I think we’ve always prided ourselves on our live show and always want to make it better. I think this year were some of the best shows we’ve ever played and I think we’ve bonded a lot more as people than we have previously. There’s six big bearded men on stage in their 30s and 40s playing really long songs, we have to make it interesting to watch out front! We recently added pro lighting to our live show and it’s really brought to the next level.
Australia seems to be a heaven on Earth for post-rock and metal – sleepmakeswaves, Dumbsaint, Tangled Thoughts Of Leaving, YLVA, Meniscus to name a few. Do you consider yourself lucky to live in this country, from the human and artistic point of view?
If you’d asked me this when I was growing up in the early music scene in the late 90s and 2000s then I’d probably tell you that we’re extremely unlucky to be where we are and to be honest, I still believe our location makes it more difficult to be a fully functioning international touring band. Especially in such a niche genre. Our biggest fan bases are overseas so it requires a lot of effort and money to tour. Actually it’s quite expensive to tour WLTS anywhere, including Australia.
In terms of the bands you’ve mentioned, I’m not sure we consider ourselves lucky as such, but we are determined to produce world quality bands and musicians and it’s taken years of work for all of those bands, ourselves, and many other of our friends, peers and bands in different scenes to get to the point where they have a following here and overseas and are able to tour and pull heads to shows. It’s no mean feat and I think if you ask any of them you’d get a proud and determined answer about it. We always have had amazing talent in this country and I think with modern networks and a shrinking global scene we’re able to showcase that to the world and not rely on commercial and mainstream help, of which there is basically none for our scene.
Australia can also be somewhat of a cultural blackhole. Our art scene is strong and so are the other facets of creative industries but I think the young modern age of our country and certain attitudes from government, politicians and some of the wider population make it a challenge for there to be a fluent and burgeoning art scene all the time. Our government recently diminished the federal body that governs the arts and reduced it into the same department that manages transport, for example. Also some of our top politicians have said that having an art degree is a lifestyle choice and not a career. So we fight that backwards attitude every year. Also we constantly battle the small population/large country syndrome. Obviously in Europe, the UK and the States there are more people and more fans of these genres so we can tour there and play to hundreds more people and spread the word further. Australia is a tough country to crack but our fans here are super passionate and loyal.
In terms of our location in the world then yes I think we’re very privileged to be Australians. I don’t say that in any stupid patriotic way, I mean in terms of quality of life and our environment and our current fortunate affluence as a society. Politics aside, because that is a hot mess right now, this country is a great place to live, we can’t deny that. I would say that it may influence the music scene over here, perhaps not in the same way 6 months of winter every year in Scandinavia produces some of the most brutal music on Earth, but the determination, ability and access to resources that our affluence allows, our work ethic and attitude towards beating the distance between us and the world really pushes us forward.
Is there a specific reason why you have decided to play this genre? Do you think there’s something more to say?
We didn’t decide to be a post-rock band, it just happened to us. I don’t think we really listened to much post-rock before that either. The old WLTS stuff has post metal and post-rock elements, for sure and it’s part of the atmospheric storytelling we like. For some kind of guidance we looked to the only “post-rock” band that we loved and that was Godspeed. I think we all really enjoy things like stories, film and good narrative and it’s a great genre to be able to laden songs and artwork with these things. I think at the end of the day we want to write something akin to film scores. I also don’t like that post-rock genre tag because I believe it’s limiting. I also feel that if you’re tagged as a post-rock band you only ever get compared to the five big post-rock bands and stereotypes over and over and it feels suffocating. We’re an instrumental band at the moment. If we decide to put vocals on a track and people want to freak out about it then good. If we want to release a downbeat trip-hop inspired album, then so be it. If we want to write heavy riffs then we will. I feel like there’s so much ownership from audiences over what you do that they’re watching your every move and ready to pounce when you step off the line they’ve envisaged for you or that the genre tag dictates. I want to always be a step ahead and break that expectation at all times. That includes messing with perceived genre.
The interview is over, thanks for your availability. Say hello to our readers by recommending your favourite releases of 2019.
Ah I’m really bad at this… uhhhmmmm
Clipping. – There Existed an Addiction To Blood
Billie Eilish – When We All Fall Asleep Where Do We Go?
Nick Cave & The Bad Seeds – Ghosteen
Cinematic Orchestra – To Believe
Cult Of Luna – A Dawn To Fear
Coilguns – Watchwinders
Thanks!
