I MONO sono un gruppo post-rock/sperimentale giapponese e, con vent’anni di carriera alle loro spalle, quest’anno hanno pubblicato Nowhere Now Here, il loro decimo album (qui la recensione). Esso si presenta come un’opera ricca di sfaccettature, evocativa e potente, che svela una profondità emotiva senza eguali. In occasione della pubblicazione e del tour internazionale per la promozione dell’album, abbiamo colto l’occasione di intervistare il chitarra Taka, che ringraziamo per la disponibilità e la sensibilità dimostrata.
Nowhere Now Here è un album evocativo e potente e trovo che la chiave interpretativa di esso risieda nel concetto di sublime. Ascoltandovi si ha l’impressione di trovarsi di fronte ad uno spettacolo naturale meraviglioso ed al contempo terrificante. Quali sono le emozioni che avete provato nel comporre questo album, cosa evoca in voi?
“Nowhere Now Here” è la scia musicale di tutti i problemi che abbiamo affrontato al momento di realizzare questo nuovo capitolo. Nel 2017, a causa di alcuni problemi occorsi con la nostra label e il nostro management giapponesi, con conseguente interruzione dei rapporti, e anche dell’abbandono del nostro batterista, eravamo nella situazione di non essere capaci di fare un passo avanti. Non avevamo fissato alcuna programmazione e ci trovavamo in uno stato tale da pensare “se fosse una band normale, questo sarebbe stato il momento di sciogliersi”. Attraversavamo un momento buio e non vedevamo niente davanti a noi, ci trovavamo nel momento cruciale in cui bisognava decidere se la band dovesse rinascere o fermarsi del tutto.
Di conseguenza, ho pensato a una storia sul rigenerarsi dalla totale oscurità che sembrava un “nowhere”, passando per un’alba, accogliendo il nuovo capitolo “now here”. A causa di ciò, quest’album è pieno di un’energia completamente diversa rispetto agli ultimi lavori. Se tagli in due la parola “nowhere” diventa “now here”. Volevo intendere che riversando amore e positività in un singolo spazio sarai capace di cambiare tutto. Quest’album ritrae una storia di rottura col passato. Dal vagare in un buio pesto pieno di odio, rabbia e un senso di incongruenza nel profondo del tuo cuore fino all’affrontare te stesso e lottare sforzandosi e dibattendosi per una luce nascosta e la speranza di cosa vuoi essere per poi, infine, nella conclusiva “Vanishing, Vanishing Maybe”, tagliare con il passato.
Sono due gli elementi innovativi di questo album: la voce di Tamaki nel brano “Breathe” e le incursioni elettroniche, che danno ulteriore corpo alla musica, integrandone e facilitandone l’immersione emotiva. Come siete giunti alla conclusione di voler apportare queste innovazioni?
Con “Breathe” c’era qualcosa che sentivo il bisogno di dire a parole. Negli ultimi anni, quando la band è scresciuta e più persone sono state coinvolte, abbiamo iniziato ad avere fastidiosi problemi di business che sono del tutto lontani dalla creatività, e a causa dei loro ego ci siamo stancati al punto tale da non essere capaci di respirare. Da una situazione così fuori controllo volevamo esprimere la nostra determinazione: “vogliamo tagliare con il passato e muoverci verso nuove superfici” con una canzone e un testo. Quando ho detto a Tamaki che volevo che cantasse si è sorpresa, ma ero convinto che lei fosse l’unica capace di esprimere bene quelle parole cantando. Alla fine il suo cantato è stato persino più bello di quanto immaginassi. Sento che sia venuto fuori qualcosa che possa echeggiare nei cuori delle persone.
In quest’album ho usato molti elementi elettronici. Ciò è stato ispirato dalla collaborazione con John McEntire (Tortoise, The Sea and Cake) per il mio progetto solista Behind the Shadow Drops nel 2017, e stavolta ho anche avuto molte ispirazioni e idee diverse dal sound della band. Volevo provare a creare un’unica e originale visione del mondo, un po’ come i miei amati, primi lavori di Philip Glass.
Quali sono, invece, a vostro avviso, gli elementi di continuità rispetto ai precedenti album e cosa è rimasto immutato nella vostra visione della musica e del fare musica?
Desidero sempre provare qualcosa di nuovo, mai provato, anche a piccolo passi. I piccolo cambiamenti alla fine portano a grandi cambiamenti, sai. Da molto tempo sono fan di musica che lascia fluttuare immagini nella tua testa durante l’ascolto, come le colonne sonore. Dopo un po’ ho iniziato a pensare di voler unire questi elementi alla musica rock e in quel momento ho iniziato a studiare musica classica da autodidatta. Dopo tutto, la musica classica è musica strumentale. All’inizio, comunque, dato che di base siamo una rock band standard di quattro elementi con chitarre, basso e batteria, le cose non sono andate come immaginavo, ma dopo aver sperimentato in vari modi alla fine siamo riusciti a trovare quello che consideriamo il nostro modo di suonare e usare i pedali. Infine, dopo aver pubblicato Hymn to the Immortal Wind e For My Parents, abbiamo sentito di aver terminato la costruzione di uno di quegli stili la cui ricerca era un nostro obbiettivo. In seguito, per i cinque-sei anni successivi, ho voluto trovare un nuovo stile che fosse diverso dal feeling sinfonico intenzionalmente ricercato. E’ stata anche in questo caso un susseguirsi di tentativi ed errori, ho speso davvero moltissimo tempo scrivendo musica che echeggiasse nel mio cuore. Tuttavia quando abbiamo iniziato ad andare in tour ho iniziato a pensare che ci fossero molti brani non adatti ai live. Per questo motivo per il nono album Requiem For Hell volevo scrivere canzoni più forti, emotive e adatte ai live. Ovviamente ho dato del mio meglio e pensavo fossero degli ottimi album, ma onestamente sentivo che fossero piuttosto lontani da quello che era il mio obbiettivo. Probabilmente questa sensazione continuerà anche in futuro. Per questo “Nowhere Now Here” c’era una sensazione che non potevo contenere prima di pensare a qualunque cosa riguardante la musica. Era una sensazione importante per farti rimanere te stesso, come rabbia e determinazione. Ho voluto trasferire tutto questo nella musica.
Da dove e come traete la vostra ispirazione nel processo di composizione musicale?
Comporre è un processo pari all’andare dentro il proprio cuore. Io mi ci immergo profondamente e inizio a dare al mio cuore la forma di canzoni, traendo elementi luminosi che sanno d’anima da un’oscurità che sa di pazzia. Io stesso mi salvo scrivendo canzoni. Sento che “per me è ok vivere”, “c’è una ragione per me di restare quello che sono” ed esprimendo questi sentimenti di auto-salvazione con la mia scrittura and assumendo la forza dagli altri fidati membri, sento che posso sicuramente essere in risonanza con tutto il mondo.
Quanto alle vostre influenze musicali, quali generi e gruppi sono meritevoli di aver esercitato un’azione determinante su di voi e sulla vostra musica? Se, ad esempio, vi chiedessi di nominare un album che reputate fondamentale per la vostra formazione musicale, quale sarebbe?
Symphony No 9 – Beethoven
Loveless – My Bloody Valentine
Qual è il vostro rapporto con il panorama musicale post-rock sia nazionale sia internazionale e come pensate si sia evoluto negli anni?
Quando abbiamo fondato i Mono non esisteva il termine post-rock ed era molto difficile per noi persino suonare in Giappone, per questo i nostri tour iniziavano negli Stati Uniti. Non ci siamo preoccupati comunque, perché credevamo che la nostra musica non fosse semplicemente un suono, ma un’arte che esprimesse significati irraggiungibili dalle parole.
Mono significa “uno”. Abbiamo scelto di essere l’”uno” che supera lingue, nazioni, culture e razze perché crediamo che la musica non abbia confini. Dopo vent’anni ciò che abbiamo fatto sta girando il mondo e siamo veramente felici di questo.
Chi sono i MONO oltre l’essere una band? Nel concreto: lontano dai “riflettori”, quali sono le aspirazioni e passioni di ciascuno di voi?
Sentiamo una pura, infinita felicità quando lavoriamo sulla nostra musica. Il fatto che possiamo dedicarci così è veramente la cosa più soddisfacente a livelli molto profondi. Ovviamente è importante ottenere dei risultati, ma semplicemente essere capaci di dimenticare il tempo, concentrarci e lavorare sulla musica è la cosa più insostituibile. Anche oggi abbiamo la stesa fame di quando eravamo giovani. “Questo non è abbastanza”, “vogliamo esplorare più nel profondo” e “vogliamo andare avanti” sono i nostri leitmotiv, non solo per la musica, ma per vivere.
Il regista francese Julien Levy ha realizzato uno short film traendo ispirazione dalla vostra canzone “After You Comes The Flood”, oltre ad aver girato il video di “Breathe”, secondo estratto dal vostro album. In che maniera è nata questa collaborazione?
Sono molto vicino a Julien, il regista. Abbiamo una sensibilità molto simile. Al momento vive a Tokyo e ogni volta che si presenta l’occasione usciamo per bere e parlare d’arte senza sosta. Personalmente apprezzo molto come viva e ritragga Tokyo; la sensazione è di caos, di solitudine, come se non ci fosse uno spazio per te, e tu non puoi trovare ciò in cui credi e dentro di te il tuo cuore sta gridando. Mi piace molto collaborare con Julien. Ci ispiriamo a vicenda. Per quest’album gli abbiamo chiesto di dare i titoli ai brani e abbiamo scritto insieme il testo di “Breathe”.
La vostra collaborazione con la Temporary Residence Ltd. è iniziata oramai più di quattordici anni fa con l’album Walking Cloud and Deep Red Sky, Flag Fluttered and the Sun Shined. Come si è evoluto nel corso degli anni il vostro rapporto con la label? Con la Pelagic Records, invece?
Incontrando Temporary Residence tutto è cambiato. La persona che ha presentato la musica dei Mono al mondo, ci ha presentati a Steve Albini, ha fatto sì che suonassimo il nostro primo concerto con l’orchestra, e che ci ha presentato il nostro nuovo batterista Dahm è stata sempre Jeremy, il proprietario di Temporary Residence. E’ uno dei partner più importanti per noi per creare arte insieme, ed è un po’ come un membro della nostra famiglia. Pelagic Records ci ha dato molta forza, specialmente in Europa. Si tratta di una label indipendente fantastica, molto professionale e competente.
Circa un anno fa avete sostenuto un cambio di formazione con l’ingresso di Dahm Majuri Cipolla alla batteria. Essendo lui americano, come riuscite a gestire le prove musicali e i numerosi tour che sostenente in giro per il mondo?
Dahm abita negli USA, quindi gli mandiamo i demo dei brani in anticipo e glieli lasciamo studiare da solo. Prima di ogni registrazione e tour proviamo tutti insieme nel nostro studio a Tokyo per diverse settimane.
Direi che abbiamo finito. Spero di vedervi a Bologna, una delle date del vostro tour internazionale. Salutate i lettori di GOTR come preferite!
Grazie sempre per il supporto. Non vedo l’ora di incontrare tutti in tour. A presto!
Grazie,
Taka
English Version:
Nowhere Now Here is a powerful and evocative work. I find the concept of sublime as a suitable key to understand the whole record. While listening to it, it feels like gazing into a natural phenomenon which is wonderful and frightening at the same time. Which were your feelings while writing the album? What does it provoke in you?
“Nowhere Now Here” became a musical trail of all the troubles we faced as we walked towards our new chapter.
In 2017, because of our troubles and termination with our Japanese management and label, as well as our drummer’s departure, we were in a state of not being able to take one step. We didn’t have any of our schedule locked and we were all in the mood of “if it was a regular band, this is when they’d disband”. We were really in the dark and couldn’t see anything ahead. We were in a crucial time of needing to decide whether the band should reborn or stop its activity.
In result, I left a story about regenerating from the pitch-black darkness which felt like “nowhere”, then through dawn, welcoming the new chapter “now here”. Because of this, this album is filled with completely different energy compared to our last albums.
If you cut the word “nowhere” in half, it becomes “now here”. I wanted to express that by pouring the feeling of love and positivity into that one single space, you will be able to change everything.
This album portrays a story about parting with the past. From wondering a pitch-black darkness filled with hatred, anger and a sense of incongruity in the deep pit of your heart, to facing yourself and fighting through struggles, hidden light and hope of what you wish to remain, then eventually in the last scene “Vanishing, Vanishing Maybe”, you part way with the past.
The album features two innovative elements: Tamaki’s vocals in “Breathe” and some electronic influences. Both give some additional nuance to the music, making it easier to be emotionally assimilated. How did you come up with the decision of integrating these elements?
With “Breathe”, there was something I really wanted to tell with words.
In recent years as the band grew and more people got involved, we started to have annoying business issues which are completely far from creativity, and because of their egos, we got really tired to the point of not being able to breathe. From such an out of control situation, we wanted to express our determination “we’re going to cut the past and move towards the new surface” with a song and lyrics.
When I told Tamaki that I wanted her to sing, she was very surprised, but I was convinced that she would be the only one who will be able to properly express these words by singing. As a result, her singing was more beautiful than I imagined. I feel that it turned out to be something that really echoes in people’s hearts.
For this album, I used a lot of electronic elements. This was inspired from working with John McEntire of Tortoise and The Sea and Cake for my solo project Behind the Shadow Drops in 2017, and I also had a lot of different inspirations and ideas that are different to the band’s sound this time around.
I wanted to try creating an original unique worldview much like one of my longtime favourites Philip Glass’ early works.
On the other hand, which are the main links with the previous albums? Has your vision of music (and your music in particular) stayed unchanged?
I always want to try something new, even by a little, that I’ve never tried. Little changes eventually lead to big changes, you know.
Since a long time ago, I’ve been a fan of music like film soundtracks that visuals float in your head while listening. After a while, I started to think I wanted to mix those elements with Rock music and that’s when I started to self-teach Classical music. After all, Classical music is also the same instrumental music.
In the beginning, however, because we’re basically a standard 4-piece Rock band consisting of guitars, bass and drums, things didn’t go as imagined but after experimenting many ways, we eventually were able to find what we can call our own style of playing and by using pedals. Eventually, after releasing “Hymn to the Immortal Wind” and “For My Parents”, we felt that we finished constructing one of the styles we were after as our goal.
After, for the last 5-6 years, I wanted to find a new style that’s different to the symphonic feelings that I’ve intentionally tried. It was a continuation of trial and error as well, so I actually spent an enormous time writing music that echoes in my heart. As we went on tours however, I started to feel that there were not many songs that were suitable for live. This is why with the 9th album “Requiem For Hell”, I wanted to write songs that were louder, emotional and more suitable for live.
Of course, I’ve tried my best and I thought they turned out to be quite great albums but in all honesty, I felt that they were nowhere close to the level that I aimed as a goal. Maybe this feeling will continue in the future as well.
For this album “Nowhere Now Here”, there was a feeling that I couldn’t contain before thinking about anything related to music. It was an important feeling to make yourself remain as yourself such of anger and determinations. I wanted to make all of that into music.
How and from what do you seek inspiration when writing new music?
Composing is a process of going inside your heart. I go down deep within and start to form my heart into songs by pulling out shining bright soul-like elements from the madness-like darkness. I myself get saved by writing songs. I feel that “it’s ok for me to live”, “there is a reason for me to keep being who I am” and by expressing these feelings of myself getting saved by my song writings and borrowing my trusted members’ power, I feel that I can always in certainty resonance with all the people in the world.
Concerning your influences, which genres and bands have determined what you and your music are today? What if I ask you to name one album that you consider essential for your formation?
Symphony No 9 / Beethoven
Loveless / My Bloody Valentine
Which is the connection between Mono and the post-rock scene? According to you, how the genre has evolved in the last few years?
When we formed MONO, there was no such term as Post-Rock and it was especially difficult for us to even play shows in Japan. This is why we started our tours in the United States.
We were not worried though, because we believed our music was not just sound, but an art that can express things that you simply can’t with words.
MONO means “one”. We chose this name to be the “one” that surpasses languages, countries, cultures and races because we believed music has no borders. After 20 years now, what we’ve been doing is getting shared throughout the world like this and we feel really happy about it.
Who is Mono, apart from being a band? I mean: offstage what are your passions and ambitions?
We feel pure endless happiness when we’re working on our music. The fact we can devote ourselves like this is truly the most satisfying thing in such a deep level. Of course, it is important to be able to achieve some sort of a result, but simply being able to forget time, focus and work on music are the most irreplaceable and precious thing.
Even now, we have the same hunger as when we were young. “This is not enough”, “we want to explore deeper” and “we want to keep on moving forward” are our most important motif, not just for music, but to live.
French director Julien Levy realized a short film based on your song “After You Comes The Flood”. He has directed the “Breathe” official videoclip as well. How did this collaboration start?
I’m very close to Julien, the director. We have a very similar sensibility. He currently resides in Tokyo and whenever we get a chance, we go out for drinks and talk about art endlessly. I personally really like how he feels and portrays Tokyo; the feeling is chaotic, lonely like there is no true place for yourself, and you can’t find what you believe in and deep inside your heart is screaming.
I really enjoy collaborating with Julien. We give each other inspirations. For this album, we got him to give titles to each song and wrote the lyrics for “Breathe” together.
Your collaboration with Temporary Residence Ltd. started more than fourteen years ago with the album Walking Cloud and Deep Red Sky, Flag Fluttered and the Sun Shined. How has your relationship with the label evolved over the years? What about Pelagic Records?
By meeting Temporary Residence, everything changed. The person who introduced MONO’s music to the world, introduced us to Steve Albini, made our first orchestra show happen, and also introduced us to our new drummer Dahm was all Jeremy, who is the owner of Temporary Residence. He’s one of our most important partners to create art together, who’s also like our family.
Pelagic Records has been lending us a lot of power especially in Europe. They’re a very professional, knowledgeful and fantastic independent label.
Recently the first change in your line-up occurred, when drummer Dahm Majori Cipolla joined the band. Whit him being American, how do you manage to write, rehearse and organize your several tours around the world?
Dahm lives in the States so we send him our song demos in advance and get him to practice by himself.
Before each recording and tour, we rehearse all together at our studio in Tokyo for several weeks.
The interview is over. Hopefully I’ll see you in Bologna during your next European tour. Say hello to our readers as you prefer!
Thank you always for your support. I’m really looking forward to meeting everyone on our tour. See you soon!
Thank you,
Taka
